Nagu ühe joonistamise uurimine, võib olla kasulik õppida varem tulnud meistritelt, et saada inspiratsiooni ja leida võimalusi tekkinud probleemidele lähenemiseks. Neile, kes joonistamise avastavad, on mitu meisterdajat, kellelt võib õppida.
autor Naomi Ekperigin
|
|
| Madame d'Haussonville'i portree
autor: Jean-Auguste- Dominique Ingres, ca. 1842, grafiit, 9 3/16 x 7¾. Kollektsioon Foggi kunstimuuseum Harvardi ülikoolis, Cambridge, Massachusetts. |
"Ma usun, et joonistamine on kogu kunsti alus, " ütleb kunstnik Mary Reilly. Ta pole selles meelsuses üksi. Paljud kunstnikud usuvad, et joonistamisoskus on ükskõik millisel kandjal töötamiseks ülioluline, isegi kui joonistamine pole kellegi peamine huvi. Juba algusest peale olid seal kunstnikud, kes hindasid joonistusi omaette töödena. Need kunstnikud tõstsid meediumit veelgi ja näitasid, kui palju on neid, kes soovivad joonistamist põhjalikumalt uurida.
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Prantsuse uusklassitsistlik maalikunstnik Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780–1867) oli sündinud joonistaja. Juba varasest noorusest alates arendas isa oma joonistamisoskusi ja Ingres läks 17-aastaselt Pariisi õppima Jacques-Louis Davidi käe all, kes oli Prantsuse revolutsiooni ajal Napoleoni ametlik „kunstitsaar“. Ehkki sügavalt mõjutatud renessansiajastu maalikunstnikust Raphaelist ja andekast maalijast endast, on Ingres tema joonistuste ja portreede seas tuntuim.
Ingres kolis Itaaliasse 1808. aastal pärast Prantsusmaa kõrgeima kunstistipendiumi Grand Prix de Rome võitmist. Seal lihvis ta oma käsitööd, inspireerituna vanameistrite tööst. Enda ja oma naise ülalpidamiseks võttis ta riigilt vastu maalikomisjonid ja valmis sadu grafiitportreesid turistidele, rändvõimulistele ja jõukatele emigrantidele. Need väikesed portreed on „suurepärased kunstiteosed, mis haaravad ande, funktsioonide, pooside, kostüümide, atmosfääri ja iseloomu imest, “kirjutas kunstiajaloolane Stephen Longstreet. “Inimesed on tõelised. Nad hingavad ja eksisteerivad kindlalt maa peal.”
|
|
| Naiste lehetulemused Türgi saunas
autor: Jean-Auguste- Dominique Ingres, ca. 1830, pliiats, pruun tint ja grafiit kahel ühendatud lehel, suurusega 6¾ x 4¾. Kollektsioon Louvre'is, Pariisis, Prantsusmaal. |
Võimalus reaalsust tabada oli tingitud tema tehnilistest oskustest ja anatoomia tundmisest. Selliste kaasasündinud teadmistega inimkujust saaks kunstnik korralikult drapeerida viisil, mis järgiks keha kuju igas kortsudes ja voldikutes. Kunstniku võime jäädvustada sarnasust tuli tema pühendumisest täpsusele, mille ta arendas joonistamise kaudu. Ingres oli sunnitud joonistaja, õhutades õpilasi joonistama oma silmaga, kui nad seda pliiatsiga teha ei saanud. Oma maalitud portreede ja seinamaalingute jaoks tegi ta mõnikord sadu ettevalmistavaid jooniseid. Ta näis, et see protsessi etapp on rahuldavam kui seinamaalingute tegelik maalimine, millest ta mõnikord ka loobus. „Etapid olid: elust õppimine, tõest mutrivõtmine kogemusest, tükeldamine, laiendamine, lõuendile transportimine, vajaduse korral selle või selle detaili mudeli juurde tagasipöördumine, “kirjutas Avigdor Arikha ajakirjas JAD Ingres: Viiskümmend elujoonist Musée'st Ingres Montaubanis, Houstoni Kaunite Kunstide Muuseumi näituse kataloog. “Paludes krahv de Pastoret’ käest kindaid või minnes tagasi Madame Moitessieri vasaku käe juurde, joonistades selle elusuuruses nii, et see kantakse otse lõuendile, minnes selle juurde ikka ja jälle. See on siis, kui Ingres takerdus. See oli liiga keeruline - peaaegu obsessiivne - menetlus, mille eesmärk oli jõuda asja tõele lähemale."
Kõigi tasemete kunstnikud saavad õppida Ingrese tähelepanust detailideni. Tema tööeetika oli imetlusväärne ja ta lõi joonistused, mis olid tehniliselt meeldivad ja emotsionaalselt resonantsed. “Kõigist meistritest, keda olen õppinud, on Ingrese töö mulle kõige rohkem meeldinud,” ütleb Reilly. “Ingrese eelistatud materjalid olid terava otsaga grafiidipliiats ja sile valge paber. Ta uskus, et värv pole midagi muud kui joonistamise lisavarustus. Tema jaoks polnud joonistamine ainult joon. See oli väljendus, sisemine vorm, kompositsioon ja modelleerimine.”Just see vaade on mõjutanud 20. sajandi modernset kunsti ja kunstnike põlvkondi Degasest Dinnersteinini.
|
|
| Istuv alasti naine
autor Pierre-Paul Prud'hon, 22 x 15. Kogu metropoliit New Yorgi kunstimuuseum, New York. |
Pierre-Paul Prud'hon
Nagu Ingres, tunnustati Pierre-Paul Prud'hon (1758–1823) maalikunstnikuna, kuid joonistamine oli tema töö alus. Tänapäeval oma allegooriliste ja mütoloogiliste maalide järgi tuntud maalid inspireerivad ja uimastavad tema figuurijoonistusi. Dijoni akadeemia kunstiõppurina 1780. aastate alguses pühendus Prud'hon rangele joonistamiskoolitusele, mida peeti vajalikuks kõigile neile, kes lootsid edukat kunstnikukarjääri. Akadeemiad - elava mudeli põhjal kujundatud õpingud - olid viis, kuidas õpilased oma oskusi lihvisid, täites selleks ajaks, mil nad olid valmis oma ametit tegema, sadu neid jooniseid. Protsess võttis aastaid ja see eemaldas mitmed pürgijaid pühendumuse või ande puudumise tõttu. Kuigi see range ja pikk koolitus võib tänapäeva tudengitele tunduda tülikas, olid need joonised väga olulised kunstnikele, kellest paljud lõid neid õpinguid kogu oma karjääri jooksul ideede ja praktika huvides.
|
|
| Istuva mehe Académie
autor: Pierre-Paul Prud'hon, mustvalge kriit sinisel paberil, 14 9/17 x 10 ?. Kollektsioon Museé parun Martin, Hall, Prantsusmaa. |
Prud'hon oli üks selline kunstnik ja rohkem kui tema kaasaegsed, klammerdus ta kogu oma karjääri vältel akadeemiatesse. Veel tähelepanuväärsem on ehk see, et Prud'hon pooldas neid joonistusi valminud maalide asemel, isegi siis, kui tema karjäär edenes. 1788. aastaks oli kunstnik välja töötanud värvitud kriidiga toonitud paberile joonistatud figuuride allkirja stiili. Joonised on sageli üles ehitatud mitmesse kihti, sealhulgas koorumine ja toonimise ja kändumise laiad lõigud. Liinide, toonide ja mitmesuguste tehnikate segamise teel esitas Prud'hon kunstnikele kriidi ja paberi täieliku väljendusvõimaluse. "Prud'honi õpingud annavad edasi tugevat emotsioonitunnet, " ütleb Reilly. “Tema märgid tunduvad lõdvad ja vabad, kuid asetsevad ideaalselt.” Nõustub kunstnik Kenneth Procter, “Prud'hon lõi mõned joonistused, kus varju südamik kulgeb nagu triip mööda kogu poosi pikkust, paljastades iga lihase nüansi. -See on täiesti uimastav.”Oma sügava juurdumisega inimkehast oskas ta keskenduda oma subjektile ja imetleda teda eluga, märgistada kiiresti ja reageerida kohe oma mõtetele, muretsemata anatoomia või tõelise nähtavuse pärast.
Juba varases nooruses lisas Prud'hon oma nimele „Pauluse” flaami maalikunstniku Peter Paul Rubensi (1577–1640) auks, kes oli ühtlasi ka meisli koostaja. Prud'hon jagas kunstniku armastust inimese kuju vastu ja põhjalikke teadmisi anatoomiast, kuid just sellega nende sarnasused ka lõppevad. Rubens oli barokkstiili pooldaja, tuntud oma rõhuasetuse poolest värvile, ülbedele detailidele ja dünaamilisele liikumisele. Prud'hon seevastu eemaldas dramaatilise liikumise ja keskendus sellele, kuidas valgus liikus vormide vahel. See, mida Prud'hon oma eelkäijalt õppis, on aga see, kui oluline on pidevalt luua uusi teoseid, sõltumata stiilist. Rubens oli oma aja üks viljakamaid ja mitmekesisemaid kunstnikke, kelle väljund hõlmas altarimaale, ajaloomaalinguid, portreesid ja maastikke, aga ka raamatuillustratsioone ja arhitektuurilisi kujundusi.
|
|
|
| Neitsi eeldus
autor Peter Paul Rubens, ca. 1612, pruun tint ja pruun pesu, valge kerevärv ja pruunil must kriit paber, 11? x 9 ?. Kollektsioon Albertina Viini muuseum, Austria. |
Istetud noor naine tõstetud relvadega
autor Peter Paul Rubens, 1631–1632, must ja punane kriit valgega kõrgus, 16 x 19 11/16. Kollektsioon Staatliche Museen zu Berliin, Kupferstichkabinett, Berliin, Saksamaa. |
Peter Paul Rubens
Lisaks koostas kunstnik sadu jooniseid, mis mängisid tema loomingus mitmesuguseid toetavaid rolle juba karjääri algusest peale. Noore kunstnikuna veetis ta suure osa ajast meistriteoseid kopeerides; aastal 1600 Itaaliasse kolimine muutis tema teema renessansi meistrite tööks. Titiani, Michelangelo ja Raphaeli joonistustööde eesmärk ei olnud lihtsalt õppida. Kunstniku-juhendaja John A. Parksi sõnul: "See oli tegelikult katse olemasolevat ikonograafiat ja kompositsioone lahti lüüa, et ta saaks hilisemaks kasutamiseks isikliku pildikogu luua. See, mida kunstnik nendel joonistel kõige rohkem hindas, ei olnud nende isiklik kalligraafia ega renderdamise kvaliteet, vaid lihtsalt nende kujundusinfo.”
Rubens kasutas seda pildikogu teegi inspiratsiooniks suurtele altarimärkidele, mille loomiseks ta telliti. Ta alustaks neid suuri töid musta või pruuni kriidiga eeljoonistamisega, seejärel koostaks ta õli visandi. Pärast seda naasis kunstnik joonistamise juurde, tehes musta kriidi abil elavatest mudelitest suuremaid tükke. See suurem joonis võimaldas tal lisada rohkem detaile ja anatoomilist täpsust ning infundeerida tema pilti elujõulisena, mille üle barokkikunstnikud olid uhked.
Ehkki Rubens mõtles oma joonistustest ilmselt vähe, saavad kunstnikud tänapäeval oma ettevalmistustöödest palju silma paista. Tema joonistused rikastasid tema maalid ja aitasid teda protsessi igas etapis. Kui ta õli lõuendile lõpuks pani, oli tal selge visioon ja ta oli kindel, kuidas seda teostada. Joonistamise kaudu laiendas Rubens oma visuaalset sõnavara, võimaldades tal luua sadu hiilgavaid teoseid.
|
|
| Surnud lapsega naine
autor Käthe Kollwitz, 1903, söövitus. Koguduse rahvusgalerii kollektsioon Kunst, Washington, DC. |
Käthe Kollwitz
Saksa maalikunstnik, graafik ja skulptor Käthe Kollwitz (1867–1945) võidakse oma aineoskuse poolest paremini teada kui oskusi. Tema ofortid, litograafiad ja joonistused olid peamiselt töölisklassi inimestest, keda ta enda ümber nägi, ning ta tutvustas vaatajatele liikuvaid lugusid inimeste kannatustest ja võitlustest. Tema sügav emotsionaalne seotus oma õppeainetega võimaldas tal luua kunsti, mis on tänapäevalgi vaatajaskonnaga resonantse ja inspireerida kunstnikke, kes soovivad käsitleda isiklikku ja / või poliitilist teemat. “Mind võttis Kollwitzi varane looming ja vormi sügavus, mille ta sai oma rikkalikust joonest,” ütleb kunstnik ja juhendaja Dan Gheno. „Hindasin tema töös ka emotsionaalset tugevust. Ta õpetas mulle, et kui iseendasse vaatan, võiksin minna pinnavormist palju kaugemale.”
|
|
| Autoportree
autor Käthe Kollwitz, 1924, litograafia. |
Kollwitz töötas sageli tsüklitena, käsitledes ajalooliste ülestõusude ja muutuste teemat. Neist esimene oli The Weavers, mis koosnes kolmest litograafiast ja kolmest ofortist, mis põhinesid saksa dramaturgi Gerhart Hauptmanni dramatiseeritud dramaturgil 1842. aasta ebaõnnestunud mässust. Kollwitzi teosed ei olnud ajalooliste faktide ega Hauptmanni kohanemise sõnasõnaline illustratsioon; selle asemel keskendus ta töötajate viletsusele, lootusele ja varandusele. Kui neid tükke 1898. aastal avalikkusele eksponeeriti, pälvis kunstnik laialdase tunnustuse ja see on siiani üks tema kuulsamaid projekte. Sellele järgnes hiljem tema sari Talupoegade sõda (1902-1908), mis põhines Saksa talupoegade mässul 1522-1525. Selle sarja ajaks peeti kunstnikku oma aja üheks olulisemaks saksa graafikuks.
Lisaks oma teema varieerimisele uuris Kollwitz nende sarjade puhul paljusid trükitegemise tehnikaid, sealhulgas fotode söövitamine, sissejuhatus ja värviline litograafiline printimine. Sel ajal lihtsustas ta oma tööd, jättes endast maha väga detailse realistliku lähenemise emotsioonide narratiivi kasuks. Just pühendumine humanistlikele teemadele ja emotsionaalne seos aitavad Kollwitzi loomingut eristada.
|
|
| Igor Stravinsky portree
autor Pablo Picasso, 1920, grafiit, Museé Picasso kollektsioon, Pariis, Prantsusmaa. |
Pablo Picasso
Pablo Picasso (1881–1973) on rahvusvaheliselt tuntud kunstnik, kes elas Euroopas tormilistel aegadel ja kasutas oma kunsti tõlgendamisel tema ümber aset leidnud kiireid ja kohati vägivaldseid muutusi. Kui kunstnik valmis sadu maalid, mille kohta ta on hästi tuntud, on tema joonistused tema töö keskmes. "Picasso kui kunstniku ja ikooni evolutsiooni keskmes on tema visandlikkus - just seal sündisid tema eksperimenteerimine ja visuaalsed läbimurded, " ütleb kunstnik ja õpetaja Lisa Dinhofer. Kunstnik, kellel on põhjalikud teadmised põhialuste kohta ja ulatuslik akadeemiline väljaõpe, suutis Picasso ainet dekonstrueerida, muutes selle võimalikult väheseteks joonteks, ja jõuda selle olemuseni. "Objekti kujutamine selle kõige lihtsamal kujul on vajalik, kui kapten koostab põhjalikke teadmisi, " ütleb Dinhofer. "Mitte pehmendatud Conté-märgisega, mitte risti koorunud mahuga, mitte grafiidi kihiliste varjunditega, et piirkonda modelleerida, vaid otsest joont, mis edastab kogu vormi ja ruumi."
|
|
| Nusch Eluard
autor Pablo Picasso, 1938, süsi ja grafiit lõuendil. |
Picasso joonistus näitas tema subjekti sisemist ja välimist vormi ning ta sai pildi tasapinna täita, eemaldades mahulised detailid. Seda saab näha sellistelt portreedelt nagu Max Jacob, Erik Satie portree ja Helena Rubenstein. Vaadates tema katsetamist joonte ja kujunditega, saavad kunstnikud aru, kuidas Picasso sundis vaatajaid objekte uutel viisidel nägema, ja surub meie tänapäeval ikkagi piire. Tema 1937. aastal loodud meistriteos Guernica kehastab kunstniku muutuvaid teooriaid ja reaalajas katsetamist. Nagu märgib Dinhofer, “Kompositsioon põhineb üksnes ruumi ja joone kõrvutamisel. Kujutatud interjöör ja maastik on tasandatud, surudes iga figuuri esiplaanile. Selle tulemuseks on üle jõu käiv rünnak … mis on tehtud julge, katkematu joone, väljalõigatud kujundite ja tihendatud pilditasandiga."
