Algajate Joonistamine: Paremate Joonte Tegemine, Joonte Paremaks Muutmine

autor Dan Gheno

Line on olnud pikka aega. Alates eelajaloolisest ajast, kui see esimene kunstnik korjas kasutatud lõkkest puidutuhka ja viskas käe koopa seinale, on jooned kirjeldanud igat tüüpi vorme - inimesi, loomi ja maastikku. Liin on üksi väga võimas jõud. Joon võib kujutada nii vormi lihtsat siluetti kui ka selle keerukamaid sisemõõtmeid. Haudemisel võib see väärtust isegi simuleerida. Ja kui ühendada pehmemad, plekilised toonid, mida tuntakse väärtusmassidena, on teil ühendatud peatamatu jõud - välja arvatud ehk hea kustutuskumm.

Istuv naine autor Egon Schiele, 1918, musta värvi pliiats, 18 11/16 x 11 13/16. Collection Acklandi kunstimuuseum, Põhja-Carolina ülikool Chapel Hillis.

Mõned kunstnikud väidavad, et inimkuju või abstraktseid kujutisi saab kõige tõhusamalt muuta ainuüksi väärtuse lisamisega - kõik, mida saate joontega teha, saab teha heledate ja tumedate toonide abil. See on tõsi. Mõned kõige meeldejäävamad joonised põhinevad tõepoolest ainuüksi väärtusel. Kuid kõigi peenelt vaadeldavate tonaalsete kujundite tuum on seotud kaudse "serva" või kontseptuaalse joonega, isegi kui see eksisteerib vaataja meelest alateadlikult. Isiklikult olen elevil joone ja massi selgesõnalisest kombinatsioonist minu enda töös. Nagu ma selles artiklis selgitan, miks mitte kasutada mõlemat? Esmalt kirjeldan, kuidas liini iseseisvalt kasutada. Hiljem näitan teile, kuidas ühendada mõlemad dünaamiliseks partnerluseks.

Punkt ja joon tasapinnale

Esmalt algab rida vaikselt punktina. Seejärel, Wassily Kandinsky raamatu pealkirjast "Punkt ja joon tasapinnale" lahtiselt laenamiseks, muutub see tugev märk või punkt jooneks ja lõpuks - väljaõppinud kunstniku käes - muutub see mahuliseks tasapinnaks. Joone paksuse, pimeduse ja tekstuuri muutmise abil saate simuleerida liikumist inimvormides ja sellest välja, eriti kui lasete joontel ristuda üksteisega, kaevates figuuri välisservad mööda selle sisemistesse tippudesse ja orgudesse. Sõltuvalt teie objektist või esteetilisest kavatsusest võite kasutada teravaid jooni, nagu traat, karedaid, nagu Brillo, või jooni, mis on nii pehmed, et sulavad ümbritsevasse paberisse. Liinid võivad ulatuda Egon Schiele'i sageli moduleerimata kontuuride otsekohesusest kuni Anders Zorni või Charles Dana Gibsoni pseudoharjani kuni Düreri käänulise ja graveeriva kvaliteediga. Sõltuvalt sellest, kuidas pliiatsit paberile rakendate, võib joontel olla emotsionaalne ja psühholoogiline külg ning need kujutavad peaaegu alati mingit visuaalset ja rütmilist omadust viisil, kuidas nad lehe ümber tantsivad.

Ärge siiski tehke tavalist viga, kui arvate, et see joon pole midagi muud kui kontseptuaalne mure. Kogu joonistusprotsessi vältel mõjutavad teie joonekvaliteeti dramaatiliselt teie valitud materjalid, paberi tekstuur, joonistusinstrumendid, nende teravus ja viis, kuidas te neid käes hoiate. Näiteks eelistaksin joonistusjooniseid alustada pikkade, pühkitavate ja kergelt liimitud joontega - see on võimatu ülesanne, kui hoian oma pliiatsit või kriiti pöidla ja nimetissõrme vahel nagu kirja kirjutamise ajal. (See käeasend toimib suurepäraselt, kui visandame lõplikke detaile, eriti kui seda vajutada mahlsticki või väikese, eraldi puhta paberitüki abil joonistuskäe all.)

Alustades keeran selle asemel käe tagumise osa paberi poole (vt joonis 1, vasakul), hoides pliiatsit lõdvalt võlli otsa poole ja asetsen pöidla, peopesa ja nimetissõrme vahel. Muutan sageli käe asendit sõltuvalt joone kavandatud suunast: kui joonistan allapoole, hoian pliiatsit altpoolt, võimaldades gravitatsioonil kindlalt suunata oma käe laskumist (joonis 2); Kui joonistan ülespoole, hoian pliiatsit ülalt (joonis 3). Mõlemad positsioonid võimaldavad õla ja küünarnuki suuremat liikumist, pöörates vähem tähelepanu randme ja sõrmede sakilistele toimingutele. Pliiatsijoone suunaga joonistades võite saada ka õhukese puhta joone, mida mõjutab ainult paberi karedus või joonistusinstrumendi pehmus. Kuid pange tähele, kui hõlpsalt saate joone paksust muuta, kui muudate järsku suunda, näiteks vertikaalsest horisontaaltasandisse (joonis 4). Plii võlliga joonistades muutub punkti asemel õhuke joon järsku paksuks. Joonistades üksikasju joonisel, leiate, et teie joon kõikub automaatselt teie käe ja pliiatsi suunaga.

Puhas joon

Isegi minimaalsete ridade korral võite palju öelda. Elukestvalt töötades võite soovitada täielikult kujundatud inimkuju lihtsa kandevõimega joonega, jälgides ja kaardistades seda hoolikalt

Keeratud torso autor Dan Gheno, 2006, pastell ja sanguine värvipliiats, 9 x 12. Kollektsiooni kunstnik.

mudeli välisservad. Vaadake tähelepanelikult oma teemat, nagu seda teeb Egon Schiele filmis "Nude laine üles tõstetud torsoga", kaardistades väliskujude peeneid variatsioone. Iga muhk viitab mõnele luule või lihasele. Kindlasti võite figuuri proportsioone moonutada või selle perspektiivi liialdada, nagu seda teeb Schiele oma joonistusega naisest, kes koputab pilditasandile ette, kuid proovige reageerida avameelselt ja otse väliskujudele. Teie vaatajad tunnetavad siis enda mahtu, tuginedes kogemustele ja oma keha instinktiivsetele teadmistele.

Sulgemine

Te ei pea oma figuure mähkima pideva, jäiga ja julge kontuuriga. Põhjalikuma suletustunde saate luua, kui tähistada väiksemate inimvormide servi katkendlike joontega, nagu Cézanne ja Degas mõnikord tegid. Sel viisil töötades võite kasutada minimaalset lähenemisviisi: näiteks võite märkida juure, aluse ja ninaotsa ära ning vaataja intuitiivib ülejäänud joont. Kuid kui olete huvitatud vormi simuleerimisest, siis ärge vähendage ridade arvu liiga palju. Peaksite vähemalt paigutama vihje joonele olulistel kõrgetel ja madalatel punktidel piki objekti perimeetrit ja kohtades, kus üks oluline alamvorm ületab teist. Kui te seda ei tee, näib joonis kohati puudulik või hiilgavalt tühi.

Kattuvad read

Ehkki väliskuju on oluline ja nagu Platon näib oma ideaalvormi teoorias vihjavat, on see oluline objekti identiteedi ja äratundmise jaoks, peame lõpuks siiski joonega figuuri sees liikuma. Algaval kunstnikul on seda raske teha või võimatu teha fotode põhjal töötades, kuid kogu elu töötades näete, kuidas vormid kattuvad pidevalt üksteisega, näiteks kui kael libiseb üle õla või üle detoidi jookseb krae luu ja kiilud õlavarre. Pange oma joonisel "Tagasi kiikuv käsivars" tähele, kuidas varieerin joone paksust ja väärtust, et simuleerida alusvormide paisumist, eriti jalgades. Vaadake ka seda, kuidas ma olen kujutanud vasaku vasika üleminekut reie ülaosale, millel on "kattuvad" vormid, nagu skulptorid seda kirjeldavad, kattuvate joontega. Ära aga muutu dogmaatiliseks. Pange tähele, kuidas ma neid tehnikaid diskrimineerivalt kasutan. Rõhutasin pimedust joonel piki lähimat õlga, et õrnalt tasandatud kaugem õlg võiks taanduda. Ehkki lähedane küünarnukk on vaatajale lähemal kui õlale, otsustasin valikuliselt rõhutada küünarnuki kattuvaid, kondiseid punkte kogu käe väljaulatuva kuju asemel, et see ei näeks välja jäigalt suletuna. Tundsin, et küünarnuki jooned olid lihtsalt tumedad ja piisavalt teravad, et viia see taanduva käe ette.

Haudumine

Paljudele kunstnikele meeldib oma joonistusele topograafiline, kooruv lähenemisviis, näiteks Albrecht Düreri joonistel. Selle põhjapoolse renessansi kunstniku loomingust vaadates saate palju õppida. Apostelli peaosas vaadake, kuidas ta kudub oma joone vormide ümber, kasutades pikemaid, järk-järgult kaarduvaid lööke pea pea pehmemale ja ümaramale kujule. Samal ajal kasutab ta kortsude ja kondiste maamärkide väiksemate, nurgeliste vormide kirjeldamiseks vaheldumisi lühemaid koorumislööke. Jälgige, kuidas ta kattub joontega detailselt; ta ei liimista koorumist kunagi täpselt-tac-varvastega, täisnurga all. Tavaliselt viib üks löök järk-järgult teise sisse ja nagu valgete joontega helenduse korral, võib koorumine saada peaaegu spiraalse välimuse. Teises näites pange tähele, kuidas Michelangelo joonte sügavus varieerub suuresti ning tunduvad muutuvat tumedamaks ja intensiivsemaks, kui nad ühinevad rõhutatud kondiste ja kõvade lihaste punktide ümber joonisel uuringus Meessoost alasti. Pliiatsi ja tindiga sulatades näivad tema aktsendid mitte ainult muutuvat tumedamaks, vaid näivad ka peaaegu poleeritud, poleeritud.

Proovige veeta aega vanade gravüüride õppimiseks või kopeerimiseks, nagu 18. ja 19. sajandil pidid Prantsuse Akadeemia tudengid tegema. Samuti on kasulik uurida koomiksikunstnikke, näiteks Neal Adamsit või Mort Druckerit, nende sujuvalt põimitavate põimimismeetodite osas. See häälestab teie silmi joone nüansile ja aitab teil koorumistehnika jaoks välja töötada peensust ja süntaksit. Kuid ärge üle pingutage ja ärge muutuge väljamõeldud pürotehniliste liinide orjaks. Elust elust töötades kulutage vähemalt sama palju aega mudeli vaatamisele kui joonte tegemisele. Vastasel juhul näeb teie joonis lihtsustatud ja stiliseeritud, mähitud okastraadi keerutatud massi või 19. sajandi kunstniku ja mõjuka kunstitehnika kirjaniku Jacques-Nicolas Paillot de Montabert'i nimega "armetu uurimus" ja "pisut nende inimeste absurdne kannatlikkus, kes… jäljendavad täpselt graveerimisriista”, mitte loodust. Kunstiteadlase Albert Boime sõnul virisesid Prantsuse Akadeemia õpetajad sageli oma edasijõudnute õpilaste kalduvusele sel moel joonistada, teadmata, et nende varasem ületähtsustamine gravüüride meeletu kopeerimisega "soodustas külma ja elutut väljanägemist, mille akadeemia ise kritiseeritud."

Liini ja massi ühtesulamine

Selle keerulise lähenemisviisi vastupunktiks on Charles Dana Gibsoni joonistused,

Esimene öö autor Charles Dana Gibson, tint.

muudetud pehmemate, laiemate ja lõdvemate põimikutega. Koos mitmete kunstnike ja illustraatoritega sel sajanditevahelisel perioodil üritas Gibson jäljendada väärtuste massimise voolavat, maalilist mõju ainuüksi joonega. Kuigi näib, et paljud tema vabalt kõverad ja paralleelsed jooned järgivad tema subjektide mahtusid, näib tema eesmärk olevat vähem Düreri taotletud vormitaju ja pigem katse näidata valguse optilist mõju struktuurile. Vaadake, kuidas Gibson loob silmapaistvalt heledaid ja tumedaid toone, muutes koorumisjoonte lähedust ja arvu, et näidata muutusi väärtuses. Ta rakendab paberile õrna peent joont, kui ta esindab pehmemaid vorme, mis valgusallikast eemale pöörates on järk-järgult tumedamad. Ta kasutab suuremat kogust karmimaid jooni, kui ta osutab raskematele vormidele, mis teravusest teravalt nurka lähevad ja dramaatiliselt tumedamaks varimassiks muutuvad.

Tindiga joonistamine pole lihtne, kuid see on suurepärane viis õppeprotsessi kiirendamiseks. Pliiatsi ja tindiga ei saa vigu teha, nii et õpite kiiresti jooni targalt jälgima ja valima. Selle piinamise jaoks on palju vahendeid; peaksite neid kõiki proovima, kuni leiate endale sobiva. Gibsoni põlvkond kasutas oma elegantsete paksude ja õhukeste joonte meisterdamiseks elastseid sulepead ja õhukesi, teravaid sooblipintsleid. Van Gogh tegi tavalistest pilliroost ja sulgedest mõned oma algelised, kuid samas tõhusad pastakad. Täna on meil ka mitmesuguseid täitesulepead ja isegi purskkaevuharjaid, et osa piinast protsessist välja viia. Ma joonistasin varastel aastatel mõlemaga, kuid nüüd leian, et pastapliiats teenib sama hästi ka minu eesmärke. Mõned tänapäevased pastapliiatsite kaubamärgid võivad põhjustada pettumust valmistavaid õnnetusi, kuid kui proovite piisavalt erinevaid tootjaid, leiate mõned neist, mis pakuvad tundlikku ja töökindlat joont. Pastapliiats on üsna kasulik liikumisel, kui soovite sujuvat, visandlikku välimust või kui soovite kiiresti kooruvate joontega klastri abil näidata kogu lehe suurt väärtusmassi.

Jooned massina

Kui kuhjate joonistusele piisavalt peeneid, õrnalt sulatatud luugijooni, saate eemalt vaadates luua pehme, joondeta tonaalse kuju. Mulle meeldib kombineerida julgeid jooni nende õrnemate luugijoontega. Mõnikord kasutan selle efekti parandamiseks sihilikult lameda paberi paralleelselt vooderdatud tekstuuri, võimaldades mul pliiatsil vilja suunaga üles ja alla liikuda, nagu ma tegin istuval joonisel. Mõnel juhul määrin tekstuuriga paberile kännuga pisut tooni, nii et kontrast paberi harjade ja vihmaveerennide vahel ei oleks liiga jaritav. Enamasti üritan leida joonte sulandumist tooniga, mille eesmärk on joonte järkjärguline üleminek puhtasse väärtusmassi. Mida rohkem ma nendesse pehmetesse segudesse liigun, seda kaugemale haakub pliiats korpusega. Mul on kergem juhtida oma sirge survet käega selles kõrgendatud asendis, võimaldades mul liikuda laiema ja laiema kaareliigutusega. Nendel hetkedel hoian pliiatsit nii õrnalt, et see kukub sageli minu käest.

Tooni väärtuse massiks muutmiseks on vaja palju praktikat. Kui alles alustate, harjutage oma liinikvaliteeti nii palju kui võimalik. Isegi televiisori vaatamise ajal saate väikeste ruudukujuliste joontega korduvalt padja välja tõmmata ja jooni tõmmata, katsetades erinevaid käteasendeid ja erinevat rõhku. Proovige harjutada oma ridade segamist. Jooge õrnalt üksteisega paralleelselt, asetades need lähemale ja lähemale, kuni näib, et need peaaegu kaovad. Seejärel proovige joonistada samal vajul jooned vastupidises suunas, et saada veelgi rohkem peenust ja joone massi segamist. Kui olete arenenud kunstnik, on võrdselt soovitatav hoida joonistamisel käepärast täiendavat paberitükki, et saaksite enne valmis joonistusele panemist proovida oma käe survet või harjutada keerulist tooni.

Märg meedia

Tindi- ja pesumeetod on veel üks tõhus vahend joone ja massi ühendamisel, kuna tehnilise sarnasuse tõttu vesivärviga on see isegi kasulikuks jooniseks joonistamise ja maalimise kunstlike kategooriate vahel. Vaadake, kuidas nii Giambattista Tiepolo koos Püha Perega kui ka Jean-Baptiste Greuze naisega, kes kehastab lamavat vanameest, juhivad nende kompositsioonide vahel lahtisi väärtusi, ühendades nende figuurid suuremateks, maaliliselt abstraheeritud väärtusmassideks. Pange tähele ka seda, kuidas raskemad jooned mõnikord märjaks pesemiseks sulavad, muutudes pehmemateks, segatud aktsentideks. Proovige seda oma töös, kasutades vees lahustuvat tinti. Sageli ei pea te isegi kaasasolevat pesu kasutama - selleks, et tõmmata tint rivist välja ja luua ületav väärtusmuster, võite kasutada veega täidetud pintslit.

Soda purskkaev autor Isabel Bishop, ca. 1954, tindipesu, 7 1/8 x 6.

Mass võib mõnikord pilti nii domineerida, et joon võib tunduda tema partneri jaoks pelgalt täiend, mis süvendab sügavamaid pimedaid või eredaimaid tulesid või sisaldab ainult välisservi. Isegi säästlikul kasutamisel, nagu ma enamikus oma joonistustes üritan teha (vt Keeratud torso), on joon minu tööks siiski hädavajalik. Kuid pidage meeles, et väike joon läheb kaugele. Sellel kiirel viieminutilisel visandil piirdusin suurema osa oma sirgjoontest perifeersete vormidega, kattes need ja muutes nende raskust, et tugevdada sisemust, omavahel põimivaid vorme. Püüdsin mitte häirida väärtusgradatsioonide voogu sees, kuid kohati lisasin paar lööki, et rõhutada mõnda teravat kondist punkti ja sügava reljeefi piirkondi, kus tegevus raskendab lihaseid. Taganesin torso massilisusest torso jäsemetes, lootes allesjäänud üksildasetele joontele, et figuur palja paberi sisse kergendada.

Joone ja massi jõud ei lõpe skulpturaalse kujutise ja valguse loodusliku mõjuga inimese kujule. Need võivad täita disainifunktsiooni nagu eelmises näites või nagu Charles LeBrun joonisel, kus joon ja mass rütmiliselt tuhmuvad tühja lehe sisse ja välja. Väärtusmassist ja joonest saab mõnel Isabel Bishopi tindipesu joonisel peaaegu abstraktne ühik. Raske on öelda, kus kuju lõpeb ja tema Soda purskkaevus algab kalligraafia. Ta kasutas paljudes oma maalides ka julgeid hübriidjooni ja kujundimärke, kattes need mõnikord kehastamata viisil, mis tugevdab lõuendi või paberi olulist tasasust ja ametlikku potentsiaali. Me ei tohiks täielikult ignoreerida ka nende kontrastsete löökide muid kontseptuaalseid eeliseid. Pange tähele, kuidas Fragonard kasutab väljaandes Pacha nii nende emotsionaalseid kui ka väljendusrikkaid võimeid. Rubenesque värvikasutuse ja animeeritud pintslitööstuse poolest lähenes ta joonistamisele võrdse entusiasmiga, lohistades siin pintsli kiiresti oma tekstuuripaberile meeleheitliku, meeleheitelise skripti abil ja täites seal lehe peaaegu moodsa, korduvate jämedate märkide mustriga.

Joone kasutamine maalimisel

Joone kasutamine ei piirdu ainult paberi ja joonistamise valdkonnaga. Isegi paljud massikesksed kunstnikud kasutavad maalide alustamiseks joont. Alustan oma lõuendid sageli ebamäärase söe visandiga.

Mitmevärviline joonis autor Dan Gheno, 1996 värviline pliiats, 18 x 24. Kollektsiooni kunstnik.

Seejärel kinnitan oma algsed söeliinid värviga, tavaliselt sinise või püsiva alizariini karmiinpunase värviga. Lahjendan värvi palju lahustiga, nii et värv voolab vabalt, nagu tint. Tänu lahusti suurele sisaldusele kuivavad värvitud jooned kiiresti, tavaliselt viie kuni 20 minuti jooksul. See annab mulle palju vabadust, võimaldades mul kohe liikuda värvimisprotsessi. Kui ma arvan, et olen joonise üle kontrolli kaotanud, võin mõne pealmise kihi maha kraapida, et saada allpool olev originaaljoonis. Kuid olge selle lähenemise kasutamisel ettevaatlik. Õlivärv muutub aja jooksul läbipaistvaks ja peate vältima eriti tumeda joonega joonistamist, eriti kui maalite õhukeste kihtidena.

Mõnikord joonistan poolelioleva maali joonistamiseks jooni, vahetudes iga kord uue värviga, et saaksin võrrelda oma muudatusi eelmise kehastusega. Ma teen seda juhuslikult oma joonistatud töös, näiteks Mitmevärviline joonis, lihtsalt selle lõbu pärast - minu meelest on ka üsna huvitav avastamisrada dokumenteerida, iga otsus või kohandus on salvestatud erinevat värvi. Isegi kui joonistan tavalisel, ühevärvilisel viisil, ei kustuta ma kunagi oma "vigu" enne, kui olen võimaliku lahenduse üles kritseldanud. Mõlemal kandjal on lihtsam redaktsiooni teha, kui näete, kus olete olnud. Nii ei tee sa kaks korda (või kolm korda) sama viga.

Üsna paljud maalikunstnikud kasutavad oma töös laialdaselt liini. Van Gogh on ilmselt kõige ilmsem näide. Ta kasutas paljudes oma maalides väga kalligraafilist koorumislööki, raudselt aga jäljendas ta paljudes joonistustes sageli pintslitõmmete tekstuurilisi aspekte. Nagu paljud teised maalikunstnikud, kasutan ka jooni sageli väljendusrikka väljundina või viisidena, mis vihjavad kattuvatele vormidele, nagu ma oma joonistustelgi. Isegi sellisele massikeskkonnale orienteeritud kunstnik nagu John Singer Sargent kasutas suure osa oma seinamaalingute puhul kontuuride intensiivset kasutamist. Paljud tollased muralistid, sealhulgas Kenyon Cox ja hiljuti Dean Cornwell, kasutasid kujutisi kaugemalt äratuntavaks jooneks ning koos Georges Rouault'iga oma molbertitöös kasutasid nad sageli eristatavaid piirjooni pliijooned, mis toetavad vitraažaknaid. Mõnes mõttes võite isegi öelda, et need tumedad jooned teenivad rohkem värvi kui joonise otsa; need tugevdavad ja täiustavad värve sees. Proovige ette kujutada Hans Hoffmanni autoportree ilma joonteta. See ei töötaks.

Sellisel abstraktsel kunstnikul nagu Hoffmann polnud karta jooni ega joonistamist üldiselt. Tõepoolest, osa tema õpetustest keerles mudeli joonistamise ümber. Kahjuks lükkavad paljud kunstnikud ja kriitikud tänapäeval joone ja massi sulandumise ümber ning vaidlevad häälega selle vastu, et maalimisimpulsi puhtus võiks saastada joonistusprobleemidega. See meenutab mulle veel ühte ebaõnnestunud aega kunstiajaloos, kui joonistamise ja vaoshoituse partisanid ning värvi ja emotsioonide sõdurid Rubenistes olid üksteise kurgus. Mõlemad olid tema arvates püsimatud. Tegelikult sooritas neoklassikalise liikumise populaarne õpetaja ja kunstnik parun Antoine-Jean Gros enesetapu, kuna ta ei tahtnud ohverdada oma emotsionaalset rubenistlikku külge, et austada oma patrooni ja kunstilist isa, innukalt poussinistlikku Jacques-Louis Davidit.

Tänapäeval oskab enamik inimesi mõlemat laagrit hinnata ja nende võimalikku ühtesulamist 19. sajandi lõpu ja 20. sajandi traditsioonilise kunstiga. Mõelge, kui palju potentsiaali need kunstisõjad kaotasid. Elu on liiga lühike, et teise kunstniku diktumeid heidutada. Kasutage jooni, kui see sobib teie visuaalseks otstarbeks, ja kasutage väärtusmasse, kui need sobivad. Lase kellelgi teisel muretseda väidetavate esteetiliste reeglite pärast. Teie ülesanne on joonistada. Kui sellest kinni peate, olete sama peatamatu kui rivi ja massi meeskond.