"Üks suurimaid põhjuseid, miks maalijad raskustesse satuvad, on see, et nende piltidel pole täpset ja ekspressiivset joonistust." Ütleb New Yorgi kunstnik Jon DeMartin. Seetõttu on tema joonistamise töötoad piltlikele maalijatele nii kasulikud.
autor M. Stephen Doherty
Kui see on selge, pole ühtegi pilli, mis leevendaks valesti läinud maali valu, aitab DeMartin teil mõista, kuidas lahendada ebaõigete proportsioonide, moonutatud omaduste või elutute vormide põhjustatud probleemid. Ta pakub mitmesuguseid viise, kuidas neid tavalisi piltlikke vaevusi ravida.
|
| Õpilane jälgis tähelepanelikult
nagu DeMartin näitas talle kuidas kasutada sanguine-värvi Conté värvipliiats mudeli joonistamiseks. |
DeMartini töötoad ja klassid on nõudlikud kogu Kirdeosas ning ta on regulaarne juhendaja mitmes New Yorgi ja Connecticuti kõrgemas kunstikoolis. Nelson Shanks kutsus teda hiljuti Philadelphias asuvas Studio Incamminati stuudios õppivate andekate maalikunstnike intensiivse ühe-nädalase seminari läbiviimiseks. "Nelsoni tunnustuseks soovis ta, et ma tutvustaksin oma õpilastele hoopis teistsugust lähenemist kujundi joonistamisele kui seda, mida ta töötab, " selgitab DeMartin. „See oli au seda teha, sest Incamminati õpilastele on tutvustatud mõne riigi tippkujukese kunstnikke, näiteks Nelsoni, Stephen Earlyt, Leona Shanksit, Darren Kingsley, Michael Grimaldi, Dan Thompsonit ja Rob Liberacet.
"Joonistamine on pildi tegemise lahutamatu osa, " kinnitab DeMartin. „See annab võimaluse uurida teema variatsioone. Kunstnik võib ideest vaimustuses olla ja tormata peaga maalima ilma piisava ettevalmistuseta, et vaid avastada - sageli liiga hilja -, et ideed ei suudeta kogu protsessi jooksul säilitada. Võttes aega ettevalmistavate jooniste teostamiseks, saab kunstnik ideid hoolikalt kaaluda ja destilleerida ning seeläbi paremaid loomingulisi otsuseid vastu võtta.”
|
|
| Töötoa õpilased joonistasid kaasa
käed täielikult sirutatud. |
Parim osa DeMartini joonistamise töötubadest on see, et need pakuvad õpilastele mitmesuguseid lähenemisviise kujundlikule joonistamisele, millest igaüks võib aidata piltide tegemise konkreetsetes aspektides. Näiteks peavad ta õpilasi alustama iga päev kiirete žestijoonistega, mis rõhutavad aktiivse pose joonistamisel spontaanseid ja lineaarseid aspekte. “Lühikesed positsioonid ühest kuni 45 minutini käsitlevad rohkem joont ja žeste ning pikad (tund või rohkem) kuju ja mahtu,” selgitab ta. „Ajapiirangute tõttu on keeruline teha ulatuslikku väärtustega modelleerimist, nii et mida rohkem saan joonte väljendamise mahtu muuta, seda parem.
“Paljudes varasemate sajandite joonistustes ei sõltunud kolmanda mõõtme illusioon täielikult väärtuse astmest, sest piirjoonte kontseptsioon oli iseenesest mõõtmeline,” jätkab DeMartin. “Selle tulemusel kasutati väiksemat väärtusvahemikku ja jooniseid sai teha lühema aja jooksul. Lühikeste pooside harjutamisel suurenevad põnevate toimingute ja rütmide realiseerimise võimalused.
|
|
| DeMartin töötas otse
õpilaste joonistuste peal et aidata neil mõista kuidas parendusi teha. |
"Kui kunstnikud veedavad tunde või päevi sama poseerimise nimel töötades, muutuvad nende joonistused väärtuste analüüsiks, mis on seotud vormidega, mis pöörduvad valguse ja varju poole, " selgitab DeMartin. „Selline uurimistöö seostub rohkem 19. sajandi akadeemilise praktikaga teha väga valmis viimistlusjooniseid krohvivaludest ja samadest poseeringutest koosnevate mudelite jaoks päevade ja nädalate jooksul. Sel juhul on rõhk vormis peensuste tähelepanelikul jälgimisel.
"Mõlemad joonise joonistamise lähenemisviisid võivad maalikunstnikele olla kasulikud, kuid need võivad põhjustada ka nende enda probleeme, " ütleb DeMartin. „Kunstnikud, kes teevad ainult lühikesi žeste jooniseid, loovad sageli stiliseeritud pilte, mis on pigem vormilised kui ausad vastused üksikutele mudelitele. Seevastu kunstnikud, kes teevad vaid kuude kaupa joonistusi, jõuavad sageli mehaaniliselt täpseteni, millel puudub emotsionaalne sisu. Neid kahte lähenemisviisi kombineerides on kunstnikul parem võimalus saada nii kiireid hinnanguid figuuride ruumis liikumise kohta kui ka täpseid tähelepanekuid, mis viitavad joonistatava inimese olemusele.”
|
|
| DeMartini žeste joonis:
Üheminutilised žestijoonised koos Nupasteliga ajalehepaberil. |
DeMartin soovitab kunstnikel kasutada neid kahte tüüpi jooniseid tehes erinevaid joonistusmaterjale, kuid sama poos. „Joonistamine peaks toimuma seistes, sirutatud käega, nii et liikumine tuleb õlast, mitte ainult randmest,” näitab ta. „Kunstnikud peaksid oma vaateväljal nägema nii joonistuspinda kui ka mudelit.
"Kriidiga (Nupastel) kiirete visandite tegemise peamine eesmärk on rütmiliste toimingute ja võimaliku mõningase kokkutõmbamise jäädvustamine, " jätkab ta. „Tahan leida toimingu enne kontuure, sest ilma selle liigutuseta kaotab joonis oma rütmilise voolu. Kui aeg lubab, tutvustaksin struktuuri järk-järgult, kontsepteerides pea, ribi puuri ja vaagna orientatsiooni ruumis vertikaalsete ja horisontaalsete keskjoonte abil. Rõhk on rohkem keha luustikul kui lihastel.
“Tunnuseid kirjeldavad jooned võivad ületada kehaosad, kuna need rõhutavad vormide voolavust ja ühe kuju suhet teise,” selgitab DeMartin. “Kui näiteks mõni käsi ületab kere, peaks kunstnik joonistama kõigepealt keha pidevad jooned ja seejärel tõmbama käe üle selle kehaosa. Asi on esmalt jäädvustada tegevus ja kontuur ning lasta peensustel hiljem tulla.
DeMartini žeste joonis:Viieminutiline žestijoonis koos Nupasteliga ajalehepaberil. |
“Pikema aja jooksul tehtud joonistusi tuleks alustada hoidikusse pandud keskmise viinapuusöega,” soovitab kunstnik. „Viinamisöe eeliseks on see, et seda on lihtsam kustutada ja reguleerida, kui jooned pole liiga tumedad. Samuti libiseb viinapuu süsi oma pehmuse tõttu üle kogu paberi ja on julge ja lihtsa algusega.”
Kui DeMartin on figuuri proportsioonide ja paberile paigutusega rahul, näitab ta varjupiirkonda protsessis, mida ta kutsub positsioneerimiseks. "Nii lühikeste kui ka pikkade poseeringute puhul kehtib üks asi: varjud tuleks panna esikohale, sest need juhendavad kunstnikku teiste valguses olevate väärtuste võrdlemisel, " rõhutab ta. „Ma loon ühe tulede (paberi valge) ühe kindla väärtuse ja ühe varju heledat tooni pakkuvate koorunud joontega varjude jaoks. Väärtus ei valmista muret, vaid varjuskeemi graafiline tõlgendamine. Oluline on ära tunda, millised vormid on varjus ja millised mitte, kuna kunstnikud eksitavad varjude valguses sageli tumedaid väärtusi.”
Kui ta on rahul viinapuusöe põhijoonisega, pühib DeMartin suure osa pehmest süsi maha, jättes valgele paberile ainult nõrga pildi. "See annab mulle malli või juhendi joonistamise viimastes etappides, " selgitab ta. “Seejärel visan joonise ümber, kasutades tihendatud sütt, mis on püsivam, ja pööran rohkem tähelepanu joonise täpsusele võrreldes mudeliga.
“Arendan varje lisandlikult, ehitades söekihte,” kirjeldab DeMartin, kuidas selgitada pikki poose. “Kõigepealt hõõrun varju paberisse ühtlase ja lameda massiga ja siis kasutan puusüsi kännu. See toimib mõnusalt kõrvutades valguse väärtusi, mis on koorumisega spontaansemalt joonistatud. Pikematel poosidel väljendatakse joonise kolmemõõtmelist illusiooni peamiselt valguse ja pimeduse väärtuste kaudu. Varju joonele lähenedes vormi all olevad lennukid, mis pöörduvad valgusallikast eemale, tumenevad. Need on vormi väärtusgradatsioonid, mis annavad edasi ümaruse illusiooni. Mida ümaram vorm, seda enam hajuvad graavid laiali.”
|
|
| DeMartini žeste joonis:
Kahekümne minuti pikkune elujoonis koos Nupasteliga ajalehepaberil. |
See, kui palju töötubasid õpilased lühi- ja pikaajalistele joonistustele kulutavad, sõltub osaliselt nende oskuste tasemest. “Kui õpilastel pole palju koolitust olnud, kulutan vähem aega lühikestele ja rohkem pikkadele poseerimisele, sest lihttöölist on liiga keeruline koolitada töökojas, mis kestab vaid mõni päev,” selgitab kunstnik. „Algajatel on parem tegeleda maalimisega otseselt seotud teemadega - näiteks väärtused, kujundid ja servad -, mitte žestiga. Tavaliselt on neil proportsioonide, skaala ja projektsiooni osas lihtsam töötada, kui mudelil on mitu tundi sama poseerimine.”
DeMartin pakub üksikasjalikku ülevaadet ühe oma hiljutise maali - Piljard - arengust, et aidata maalijale joonistamiskoolitusest kasu tuua. Arvukad pisipildi visandid, lineaarsed joonised, väärtusuuringud ja kompositsiooniskeemid aitasid kõik luua tugeva aluse, mis DeMartini arvates on hea maalimise jaoks nii oluline.
Piljardisaali sisekujundus algas kiire žestjoonisena ja kujunes välja kompositsiooniuuringute sarja kaudu. “Mulle meenus 1970ndatel külastatud piljardisaal, mida olin pildistanud ja aastaid hiljem karedaks grafiidijooniseks 3 -x-5” visandiraamatus teinud,”meenutab ta. „Visand oli lahtine märk kahest mehest, kes tulistasid basseini mängu, kui nad akna lähedal seisid. Aastaid hiljem kujutlesin ma maali, mille võiks kaasata John Pence'i galerii interjööride näitusele San Franciscos. Kujutasin ette, et ereda valguse ja sügavate varjude suure kontrasti tulemusel on selles palju atmosfääri.”
Pärast idee joonistamiseks veel piltide tegemist ja pildi meelt jäljendamist palus DeMartin sõbral end basseinimängijana esindada ja joonistas teisele mehele enda keha peegelpildi. “Tegin toimingu ja iseloomu saamiseks mitu viinapuusöel joonistamist, seejärel tegin toonitud paberile ettevaatlikumad joonised, kasutades söe- ja valget kriiti,” selgitab ta. "Ma usaldasin värvimisprotsessi alustades täielikult nendele joonistele."
Nii nagu ta varieerib kasutatud joonistustüüpi, kasutab DeMartin ka erinevaid maalimisvõtteid. “Mulle on kasulik, kui olen õppinud kunstnike juures, kes on uurinud kahte erinevat maalide arendamise viisi, millest igaüks annab erineva tulemuse,” tunnistab kunstnik. “Michael Aviano selgitas, kuidas tugineda ühevärvilisele alusvärvimisele, samal ajal kui Nelson Shanks õpetas mind värvisuhetega tegelema algusest peale. Ma leian juhuseid, kus üks või teine lähenemisviis aitab mu kavatsusi kõige paremini täita.
“Piljardi puhul otsustasin luua monokromaatilise aluse, tihendades esmalt joonise jooned õhukese seguga Vana-Hollandi pruunist ookervärvist ja värvides seejärel täisväärtusliku monokromaatilise aluse põletatud numbriga,” jätkab DeMartin. „Monokromaatilise alavärvi eeliseks on see, et pildil on võimalik hingata, eriti tumedamates kohtades. See loob kena läbipaistmatuse ja läbipaistvuse tasakaalu ning tekstuuririkkuse. Kui see oli täiesti kuiv, hakkasin värvima mitme käiguga, et saavutada valmis maalimiseks vajalik läbipaistvuse ja läbipaistmatuse tase. Vundamendi peale kohalike kihtide värvimisel kihutasin valvsalt all olevate väärtuste eest.”
DeMartin rõhutab, et joonistamiseks või maalimiseks pole ainult üks soovitatav lähenemisviis. Kunstnike jaoks on oluline meeles pidada, et mingil määral joonistamine aitab pildi elemente valida, joonte ja väärtuste kompositsiooni kindlaks teha ning võimalikke probleeme lahendada. “Alati aitab see, kui tehnikad põhinevad kindlatel põhimõtetel, mis raske tööga annavad edukaid tulemusi,” lõpetab ta. "Kunstnikud saavad oma nägemusi realiseerida ainult tänu võimele esmakordselt elu jäädvustada joonistustele."
